「回溯·未来」深圳首展 | 过去与未来世界的诗意相遇

一块熨斗，但他在下面加了一排钉子。显示了一件极其无用之物，凝结在了矛盾之中而充满了侵略性。如果说熨斗这一意向是让纷乱的事物得以回归到平整的秩序之中，那么钉子则增加了一种反向的破坏性，秩序与破坏，被曼·雷精巧的放置在了一件作品之中，从而释放出了对第一次世界大战后由机械理性主义统治的世界，全部焦虑的表达。而由这种焦虑所开启的，对现代社会文化景观的反思，在此后一百年间成为先锋艺术持续的主题。

这组浩瀚的巨制总共雕刻了6000余块木刻雕版，制作极尽繁复，代表了版画技艺的最高水平。次特意展出了其中《天堂篇·启示》的工作室制作步骤分解版本，为了获得微妙、富有绘画性的色彩，仅仅这一幅木刻版画，达利就进行了多达32道的分版套色印制，这也是这组珍贵作品首次在中国展出，从中我们可以直观感受到版画艺术的魅力，以及为此所需要付出的艰辛的投入。

西班牙加泰罗尼亚艺术家胡安·米罗运用心理学自动主义打破了意识领域的控制，激发潜意识的经验。他的作品主题源于记忆和想象，如同儿童画一般纯真。米罗画游动的、不定性的生物，在宇宙空间中自由伸展和变换着形状。不可名状的生物、太阳、星辰、火焰在画面中愉悦地跳动着，仿佛在庆祝节日。这些有生命感的形式令人想起动物的器官、人的肢体、胚胎或是天空中的星云，传达着原始的冲动与生命的能量，因此米罗也被称为有机的超现实主义，以区别于达利、马格利特等人所代表的自然主义的超现实主义。

1950年代，以法国为中心掀起了以“无定型运动”为名的抽象主义浪潮，并且影响了一众中国与日本艺术家的创作。

中国台湾兴起了以“东方画会”为代表抽象主义创作群体，其代表人物是旅欧艺术家萧勤和蔡暇龄，他们致力于将东方的哲思和美学，融合西方的辩证与自省，以创造出新的表达。

西班牙艺术家安东尼·塔皮埃斯是综合材料绘画的先驱。他的作品充满了深沉的愤怒和狂喜，有着格列柯式的宏大的悲剧感和虔诚的战栗，即便表面看上去依然云淡风轻；对东方艺术的热爱使得他的作品有了禅宗般的畅快意境，空灵感时刻充斥着他的画面，成为他作品深邃意境的一部分。

美国艺术家罗伊·利希滕斯坦以大众文化中的漫画和广告等批量生产的图像为创作素材，他忠实于漫画书中原有的图像，把他们放大呈现在画面上，把日常琐碎的个人化的图像处理的仿佛是传统绘画中的重大历史题材。并且突出了现代印刷技术中的“本戴点”。利用漫画这种便于阅读而又易于丢弃的媒介，他的作品一方面强调了大众流行图像在现代社会所承载的重要意义，另一方面揭示了消费文化的“快餐性”本质。

虽然艺术经常出现在博物馆，但基斯·哈林的艺术却在地铁和建筑物之上，他用城市作为画布，被称为纽约地铁站里永恒的灵魂。地铁，广告海报、彩绘火车和街头的人流都是他的灵感来源。作品蕴含着一种可以立刻打动人的孩童的天真和深刻沉重的成人的残酷，触及着诸如生命、爱和死亡这样的严肃话题。他通过这些简单又富有社会性的画作，将文化反思付诸街头涂鸦，又将街头涂鸦带进了画廊和博物馆。

在这一系列现成物作品里，博伊斯通过日复一日将自己订阅的报刊签名、盖章，以此把自己对社会的关切作为一件作品，重申了他艺术作为“社会雕塑”的艺术主张，也从侧面呈现出欧洲1960年代的社会思潮。

作曲家约翰·凯奇是偶发艺术的开创者，也间接启迪了其后行为艺术的出现。他在自己的作曲中融入了达达主义的观念和以《易经》和禅宗为代表的东方哲学思想。他运用偶发行为改变传统音乐的封闭性结构，展现日常生活的间断性和层次。

早在互联网时代之前，韩裔艺术家白南准就曾预测“技术将使人们得以进行即时交流”。他率先将电视与视频运用到艺术创作中，电视技术和信息传播是他艺术作品中最常见的主题，他也被认为是视频艺术的创始人。

这件作品体现出霍克尼对于艺术史所作的一个重要贡献：他在1990年代通过对文艺复兴时期绘画的研究，发现了小孔成像技术对焦点透视的影响；同时霍克尼受到中国卷轴画的启发，认为绘画应该表现的不是模拟光学透视的真实，而是在观看过程中心理的真实。因此在《桌前的亨利》中，我们看到的不是一个来自焦点透视形成的仿真空间，随着我们观看对象的变化，亨利、亨利面前的桌布、以及桌上的盆栽，都以正面的视角占据着各自画面的视觉中心。

拉拉兹用艺术家独有的眼光考量着世间平静的物体、光亮的风景以及当下生活的人们。面对我们所熟知的事物，你很难猜想到拉拉兹会以什么样的视角来传达其艺术创作的存在理由。在他超现实的绘画情境中，有让人耳目一新的色彩，有我们惯常思维所忽略的重要存在，还有我们想象不到的掩藏在事物表层下的真实。

辛迪·舍曼在她开创性的创作中，探讨了社会里关于女性形象的议题。在其著名的“无题电影剧照”系列中，她通过再现“女性美”来反思这种刻板形象是如何被建构出来的，并讽刺了男性对于女性的凝视。而在这幅紧随着“剧照”系列后所创作的“屏幕后的投影”系列作品里，舍曼从外景拍摄回归到工作室中，从黑白摄影转变为彩色摄影，并模仿电影制作里的背投技术，这是著名电影导演希区柯克的拿手伎俩，这一系列也是对电影《后窗》的致敬。

达明·赫斯特的旋转绘画系列以抽象绘画的形式聚焦于他一直关注的主题：生命与死亡。在赫斯特看来，任何一幅绘画从绘画到完结的过程都是从生命走向死亡的过程，因此他把当代社会想象成一个飞速旋转的离心机，当每一块笔触与色彩被投入其中，都会因为其高速旋转的离心力被投射为一束射线一样的轨迹，在这种充满能量的表达中，个性并不存在，而当画面停止旋转，留下的将是一个被记录下来的戈雅式的暴力现场、一幅绚烂的死亡图像。

说到上世纪七八十年代的日本摄影师，尽管各自风格略有不同，但无论是无师自通的野性，还是极致细腻的情感，无论是对比强烈的黑白，还是明艳轻快的彩色，通过镜头所捕捉到的景观、若隐若现的民族服饰，人物五官、造型等等，都促成了一股相对典型的视觉表达，即一看那照片，你或许无法明确究竟出自谁人之手，但你知道他来自日本。而在这些人之中，或许只有杉本博司身上没有这种强烈的视觉特性。

村上隆深受日本动画与流行文化的影响，他的作品把历史与流行文化当作一种手段，以考察用现实生活去满足人的欲望之艰难。他和时尚设计师、前路易威登与Off-White设计总监弗吉尔·阿布洛赫共同创作的三连作品《勿忘你终有一死》，因为其后阿布洛赫的英年早逝而充满了史诗与挽歌的意味。